14/6/09

Batman: Child Of Dreams - Completo (Español)

Kia Asamiya (麻宮 騎亜, Kia Asamiya) (nacido en Tokio, Japón en 1963) es el seudónimo de un conocido artista de manga que ha trabajado en una gran cantidad de géneros para diversas audiencias, especialmente en la década de los 90.
Se le conoce especialmente por la presencia de influencias del comic, televisión y cine estadounidense en sus trabajos. Se describe así mismo como un gran fanático tanto de Batman como de Star Wars. Uno de los más ampliamente publicados mangaka, habiendo sido casi todas sus historias traducidas a otros idiomas, incluyendo el español e inglés. A la fecha, sus dos series manga más exitosas han sido Nadesico y Silent Möbius, ambos con sus respectivos anime.
Antes de convertirse en un artista manga, Asimiya se graduó de la Escuela de diseño de Tokio, y luego trabajo como diseñador de personajes para varias series de anime, y luego diseño modelos para algunas de las últimas películas de Godzilla (años 1980). En su carrera, utilizo otro seudónimo, Michitaka Kikuchi (菊地 通隆), y mantuvo sus dos identidades profesionales separadas por muchos años. Una gran cantidad de las series de anime en las que trabajo se hicieron muy populares tanto en Japón como en el exterior, siendo la más notables Sonic Soldier Borgman. Aún prestando más atención a su carrera como mangaka, Asimiya continuó diseñando personajes y haciendo sugerencias creativas para las series de anime basadas en sus historias, ocasionalmente bajo el nombre de Kikuchi.
Temprano en la década del 2000, Asamayi dio un giro en su trabajo conocido por las historias para adolescentes y jóvenes adultos pasando a diseñar para una audiencia infantil y estadounidense. Al comienzo, tomó a su hijo como motivación, pero más adelante, comenzó a tomar como modelo a sus superhéroes estadounidenses favoritos. En ese entonces, estuvo trabajando en proyectos para Image Comics, Marvel Comics, y DC Comics, además de desarrollar una adaptación manga para la película, "Star Wars: La amenaza del fantasma".
Como muchos artistas japoneses es bastante solitario, sin embargo Asamiya frecuentemente hace un esfuerzo para ser accesible a su fanaticada. Mantiene una página web con información acerca de su estudio, Studio TRON (llamado así por la película de Disney Tron). Además con frecuencia apoya a su Club de fan oficial enviándole noticias regularmente y artículos de edición limitada. A pesar de estas acciones, rechaza ser fotografiado en público, y mantiene el peculiar hábito de dibujarse así mismo con una anotación por rostro. Esto se ha convertido en un distintivo de sus libros en donde substituye la imagen del artista, con una elaborado y decorado rectángulo que lleva las palabras "Imprimiendo".

Tambien publico Dark Angel bajo el sello editorial americano Image, con el nombre de Phoenix Resurrection. Esto a supuesto, además de consagrar el éxito y la fama de Asamiya en un mercado como el americano.Los editores americanos le han ofrecido hacer versiones de sus cómics más famosos para, de esa manera, importarlos a Japón. Batman - Child Of Dreams- (El Hijo De Los Sueños) fue editado por Kodansha.Su argumento es clásico. Un periodista, junto con su equipo, es acosada por Dos Caras. En el último instante aparece Batman y la salva, dejando fuera de combate al villano. Poco después es Bruce Wayne el que salva a la periodista de unos criminales,gracias a eso, entablan una buena amistad, que como es sabido acabará en romance. A medida que avanza la trama, entra en escena el fantástico Joker, como es sabido la contracara mas necesaria del señor de la noche, que secuestra a la periodista para atraer a Batman. El Joker está metido en un tema de drogas que hacen virtualmente invencible a aquel que las toma. Se piensa que de esta manera los japoneses estarán más receptivos a la hora de leer cómic americano, y no es la primera vez ni la ultima que se ve en el mercado la adaptacion manga de personajes de comic americano, y aunque comenzo con personajes de un calibre tan grande como Batman, será el mismo Asamiya el que se encargue de la versión japonesa de la Patrulla X. A propósito como muchos saben, esta version de Asamiya de Batman, tambien tiene unas excelentes figuras de acción(estilo Statue).



Link: Batman: Child Of Dreams - Completo (Español)

Lovecraft - Completo (Español)

Para hablar del gran Lovecraft necesitaríamos mas espacio. En la misma introducción por parte del director John Carpenter en esta historia, nos deja una frase que lo resume todo: Los que han escritor para este genero (Terror) todos, desde Stephen King a Clive Barker han escrito un cuento Lovecraftiano. O mejor aun hablando sobre esto antes, cuando dice: Pocos autores cuentan con la distinción de ver su nombre convertido en un adjetivo: Lovecraftiano. Por que aunque Drácula o Frankenstein son clásicos, la gente no llama a una historia “Stokeresca o Shelliana” (hablando claro de sus respectivos autores) por eso le dedicaremos mas tiempo en otra publicación, además por que esta misma historia, al leerla notaran que le hace mas tributo, ya que se adentra en la “propia historia” de Howard Phyllis Lovecraft.
Esta vez mencionaremos a los artistas en esta obra.


Hans Rodionoff , que su guión inspiro esta historia, es mas conocido por ser director y guionista de cine, de películas como Sucker: The Vampire o The Man Thing, de Marvel, y ahora también como escritor de Under The Hood (Watchmen), el falso documental sobre Hollis Manson el primer Nite Owl, y los originales Minutemen, en el documental aparecen muchos de los actores de Watchmen como Carla Gugino (Sally júpiter la primer Silk Spectre), Matt Frewer (Moloch), Stephen McHattie (Hollis Manson,el primer Nite Owl), Jeffrey Dean Morgan (The Comedian) y Rob La Belle (Wally Weaver).


Que se puede decir del gran Keith Ian Giffen,nacido un 30 de noviembre de 1952 en Queens, New York
Escritor y artista,Posiblemente mas conocido primero por ser ilustrador y en sus guiones para la Legion de Superheroesde 1980 a 1990., y claro por ser el padre de Lobo (junto con Roger Slifer), y del irreverente , Ambush Bug. Tambien por escribir y encargarse de la serie limitadas de Aquaman en 1989 junto al guionista Robert Loren Fleming y el artista Curt Swan todo esto para DC.
Giffen publico sus primeros trabajos como "The Sword and The Star", una serie en blanco y negro persentada en Marvel Preview, con el escritor Bill Mantlo. Luego trabajo en muchos titulos de distintos editoriales (tanto DC como Marvel y otros), incluyendo Woodgod, All Star Comics, Doctor Fate, Drax the Destroyer, Heckler, Nick Fury's Howling Commandos, Reign of the Zodiac, Suicide Squad, Trencher de Boom! Studios,T.H.U.N.D.E.R. Agents, y Vext. Tambine es responsible de las adaptaciones en ingles de mangas como Battle Royale y Ikki Tousen, asi como creador de "I Luv Halloween" para Tokyopop. Tambien trabajo para Dark Horse de1994-95 en sus Comics Greatest World /Dark Horse Heroes , como escritor de dos series Division 13 y coautor junto a Lovern Kindzierski, de Agents of Law. Para Valiant Comics, Giffen Escribio XO-Manowar, Magnus, Robot Fighter, Punx y el numero final de Solar, Man of the Atom.
Se tomo unas largas vacaciones de la industia del comic, trabajando en storyboards para television para series animadas como The Real Ghostbusters and Ed, Edd 'n' Eddy.
El y su equipo de “justicieros” J.M. DeMatties y Kevin le agregaron su condimento personal a un titulo que ellos habian dibujado tiempo antes Marvel Comics' The Defenders. El mismo trio produjo aun mas superheroes humoristicos en las series Hero Squared para Boom! Studios, y Planetary Brigade.
Keith Giffen tambien tuvo un rol muy importante en la serie de DC 52, que como todos saben fue la serie anterior a Infinite Crisis de Geoff Johns, Greg Rucka, Mark Waid y Grant Morrison) y tambien estuvo en Countdown to Final Crisis. Tambien para Marvel es el guionista principal de la saga Annihilation.tambien escribio prologos en series Oneshot como Thanos y Drax, y en Silver Surfer tambien escribio Star-Lord la miniseria para lo que seria despues Annihilation: Conquest.
Giffen aun sigue siendo muy prolifico sobre todo como creador de comic independiente,. Entre 2005 and 2007 fue autor o cocreador de comicbooks como 10, Tag y Hero Squared para Boom! Studios. Zapt! y I Luv Halloween para Tokyopop, Common Foe y Tabula Rasa para Desperado Publishing/Image Comics y Grunts para Arcana. Muchas de estas creadas con su habitual colaborador Shannon Denton.



Enrique Breccia (Buenos Aires 1945) el famoso ilustrador e historietista argentino. Es reconocido mundialmente en el ámbito del comic por obras como Alvar Mayor, El Sueñero y recientemente ilustraciones para la novela gráfica Lovecraft (esta que tenemos ahora).
Hijo del dibujante , casi una leyenda Alberto Breccia, fue influenciado por su padre desde pequeño en la pintura, el dibujo y el comic, al igual que sus hermanas, Patricia y Cristina.
Colaboró con su padre en la realización de dos obras trascendentales del género: Mort Cinder y El Eternauta. Para la primera se concentró en la labor técnica del dibujo y en la segunda en la creación de las situaciones de mayor pesadilla de la historia.
Profesionalmente, comenzó a finales de los años 1960 ilustrando novelas argentinas para la editorial Difusión.
Su primer trabajo profesional fue su colaboración en La vida del Che (1968), junto con su padre y con guión del gran Héctor Germán Oesterheld. Los originales de esta obra serían quemados más tarde debido a la situación política que atravesaba Argentina, (una dictadura militar que encontraba en esta obra ideas contrarias a las suyas).

En 1972 comenzó una colaboración de 8 años, bajo seudónimo, en la serie Spy 13 para la editorial británica Fleetway. En ese período realizó La leyenda de Thyl Ulenspiegel basada en la adaptación de Norberto Buscaglia de la obra de C. de Cóster (historia que quedó inconclusa), de donde proviene el estilo para su personaje más famoso, Alvar Mayor. Ese mismo año empezará a colaborar con ilustraciones para la revista Billiken y los libros de la Colección Billiken. En esta época trabaja para la revista italiana Linus. Ya con guiones propios realiza obras de temática bélica.
Junto a Scutti de Ediciones Récord, realiza historietas que se vendían en Italia. En 1976 en la revista Skorpio, de Ediciones Récord, publica El buen Dios con guión de Carlos Trillo. Con el mismo guionista y a partir del número 36 de 1977 de la mencionada revista, comienzan a publicar Alvar Mayor. En Récord trabajó junto a guionistas como Guillermo Saccomano, Ricardo Barreiro y Walter Slavich.
Participó en la revista Superhumor desde sus inicios, en 1980. Junto a Carlos Trillo (guión), realiza Los enigmas del PAMI.
En 1983 y para la revista D'artagnan de Editorial Columba, dibuja Ibáñez con guiones de Robin Wood.
En 1984, aparece en el mercado la revista Fierro(que despues seria legendaria). Enrique publicó en ella desde el comienzo. Allí aparecerían dos historias reconocidas de él, El cazador del tiempo, y en 1985, El Sueñero. Otras obras de ésta etapa son Metro-Carguero, con guiones de Enrique y dibujos de Cacho Mandrafina; y El reino azul, dónde dibuja, en color, los guiones de Carlos Trillo.
Su debut en Estados Unidos fue con X-Force para Marvel en 2000, la tapa de Uncanny X-Men, Legion Worlds y Batman: Gotham Knights para DC . Por encargo del editor Karen Berger realizó las ilustraciones de la novela gráfica Lovecraft en 2007.




Link: Lovecraft - Completo (Español)

13/6/09

Shanna The She-Devil - Survival Of The Fittest - 4 de 4 - Completo (Español)

Shanna the She-Devil pertenece al universo de Marvel . Creada por Carole Seuling y Steve Gerber y el dibujante George Tuska, ella tuvo su primera aparicion en Shanna the She-Devil #1 (Dic. 1972).
Shanna originalmente formaba parte de una trifecta dirigida en su momento para las lectoras femeninas junto con Night Nurse y Claws of the Cat. Roy Thomas escritor y editor de Marvel mencionaba sobre el personaje en el momento que Stan Lee era el editor en jefe de Marvel:
El tuvo la idea y penso los nombres de las tres series, queria hacer algunos libros con la finalidad de que las chicas tambien se interesaran. En cierta manera expandir la franquisia, y mi idea fue que una mujer escribiera alguna de estas historias, por eso pense en mi amiga Carole Seuling, que habia escrito antes comic en conjunto con su ex marido. Y la intension original para que ella escribiera Shanna fue por que a ella le gustaban los comics de aventuras, especificamente en la jungla. Despues claro vino la idea de que algunos artistas la hicieran muy atractiva, esto fue a cargo de Ross Andru y Vinnie Colletta.
Shanna O'Hara Plunder es hija de un minero en especial de diamantes llamado Gerald O'Hara. Nacida Africa, ella paso la mayor parte de su infancia en la jungla de Zaire. A los seis años su padre fue a cazar un leopardo que era ironicamente de su madre Patricia O'Hara. Mientras esto sucedia el padre de shanna acidentalmente termino disparando a su madre. Este tragico accidente traumo de tal manera a Shanna que ella se volvio en contra de toda arma de fuego, en el futuro. Despues de la tragedia ella se mudo a U.S., a vivir con sus parientes. Al tiempo cuando crecio se volvio una atleta olimpica especializada en competencias de natacion y carrera. Luego de eso se licensio en veterinaria.despues de terminar sus estudios, comenzo a trabajar para el Zoologico de Central Park en New York, como zoologa..Mientras trabajo en el zoologico, crio a muchos animales incluido un leopardo llamado , Julani que luego fue asesinado por un Guardia del zoologico.Este otro terrible accidente la llevo a renunciar y a llevar a las crias Julani, Ina y Biri, a la reserva Dahomey en Africa.
En Africa, Shanna comenzo a sentirse mas y mas apegada a la naturaleza patruyando incluso la jungla y viviendo al aire libre.Ella comenzo a usar tan solo un bikini hecho con la piel de su fallecido leopardo. Al tiempo se volvio la protectora de la reserva para covertirse en Shanna the She-Devil.
La Shanna que tenemos “entre manos” valga la ironia de la expresion es de un universo alterno, originalmente que tendria solo una miniseries de 7 capitulos Shanna, the She-Devil vol. 2 ( 2005), escrita y dibujada por Frank Cho. Esta Shanna es distinta a la original, es el resultado de un experimento genetico por eso tiene fuerza y agilidad sobrehumana, a diferencia de la Shanna original que tan solo era atletica.
La serie incluso fue presentada originalmente par Marvel MAX porque tendria desnudos, que al final fueron suavizados por el mismo Cho.

Frank Cho, cuyo nombre original es Duk Hyun Cho, es un guionista e ilustrador de cómics. El segundo de tres hermanos, Cho nació en Seúl, Corea del Sur en 1971, pero su familia se transladó cuando tenía seis años a Beltsville en Maryland, Estados Unidos, donde creció. Actualmente, Cho vive en Columbia, Maryland, junto a su mujer, Cari, y sus dos hijos.
Cho no ha tenido una formación reglada como ilustrador o guionista. Comenzó a escribir y dibujar una tira de prensa titulada University2 para The Diamondback, el periódico de estudiantes de la Universidad de Maryland, donde terminó los estudios de Enfermería. Después de su graduación, Cho modifica y adapta los elementos con más controversia de esta tira de prensa para publicarla de forma profesional, pasa a llamarse Liberty Meadows (ahora la muy famosa). Comienza a publicarse el 31 de marzo de 1997 y durante los varios años que duró Cho sufrió la censura del sindicato de tiras prensa de Estados Unidos. Finalmente toma la decisión de renunciar a la publicación en periódicos y editarla en formato comic book para evitar dichos problemas con la censura. El 30 de diciembre de 2001 fue la última aparición de Liberty Meadows en los periódicos.
A raíz de la calidad gráfica de Liberty Meadows, Cho comienza a recibir encargos de Marvel Comics. Destaca entre estos trabajos una nueva versión de un personaje clásico de la editorial, Shanna la diablesa, en 2005. Esta serie limitada de siete números, esconde un espectacular dibujo, que incluye desnudos frontales de la heroína, y un discreto guión. Marvel decide publicar la serie censurada y no aparecen desnudos en ella. Posteriormente la serie fue recopilada y publicada en un único tomo y, se ha anunciado en varias ocasiones la edición de un tomo con la versión sin censurar.
Frank Cho recientemente ha dibujado dos números de la serie Los Nuevos Vengadores, también para Marvel . A modo de anécdota cabe destacar que en estas páginas Wolverine aparece con una camiseta donde se lee Beltsville y donde, además, aparecen cameos de personajes con apariencia similar a los de Liberty Meadows.
En julio de 2006 Marvel habia anunciado que Brian Michael Bendis y Frank Cho formarán equipo creativo para una nueva serie titulada The Mighty Avengers.
Su estilo artístico es generalmente detallista y realista, aunque frecuentemente usa elementos absurdos o anacrónicos en su trabajo, tales como dinosaurios, chicas pin-up y animales antropomórficos. También se ha dibujado a si mismo en su trabajo bajo la apariencia de un chimpancé parlante, y en numerosas ocasiones ha dibujado a sus personajes de tiras de prensa interactuando con los de otras tiras de prensa populares en Estados Unidos. Los habitantes de Liberty Meadows a menudo se han visto como co-protagonistas compartiendo sus historias con los personajes de tiras de prensa tales como Blondie, Calvin & Hobbes, Li'l Abner, Hagar el Horrible, Dilbert o Cathy.


En esta miniserie Shanna The She-Devil: Survival of the Fittest (2007, 2008) de Justin Gray ,James Palmioti y Khari Evans, se presenta esta nueva version de Shanna, que al final recibe el nombre de la clasica gracias a uno de las personas que la bautiza asi, por el comic clasico.


Link: Shanna The She-Devil - Survival Of The Fittest - 4 de 4 - Completo (Español)


Barnum : In Secret Service To The USA - Tomo Unico - Completo (Español)

Howard Victor Chaykin ha demostrado versatilidad enorme para escribir, dibujar y generar polémica a lo largo de su trayectoria profesional. Ha firmado ilustraciones publicitarias, artículos de tema erótico, guiones para series de televisión (Human Target, The Flash, The Sentinel o The Viper), caricatura política y satírica, prólogos para libros, trading-cards, diseños de modelos para animación (famosa es su aportación para el filme de 1981 Heavy Metal, donde Chaykin fue autor del story board del personaje de fantasía heroica Taarna)...
Comenzo el dibujo en el Columbia College de Chicago y en la School of Visual Arts neoyorquina; luego, atraído por las viñetas publicadas en prensa, fue ayudante de Gil Kane en 1968, de Gray Morrow y Neal Adams en torno a 1972, y ofició como asistente de Wally Wood en los seriales Cannon y Sally Forth al año siguiente. Pero ya entonces se mostraba Chaykin deseoso de trabajar por su cuenta, como lo prueba el comic Werewolf goes West publicado por Monster Times en 1972. De ahí pasó a realizar breves cómics románticos y de terror para DC y Marvel y, al poco, en 1973, asombró al público con adaptación del ciclo de espada y brujería de Fritz Leiber Fafhrd & the Gray Mouser para la serie Sword of Sorcery, de DC, y creando su propio mundo fantástico: Ironwolf. Durante esta etapa de su carrera, Chaykin se mostró interesado por aventureros como Shadow, Killraven o Dominic Fortune para Unknown Worlds of Science Fiction, y por personajes de Robert E. Howard como Conan (cinco episodios entre el núm. 79 y 83 USA, donde su estilo quedó sepultado por las tintas de Ernie Chan), Kull (en Savage Sword of Conan núm. 2, con lápiz de nuevo velado por los entintadores), Red Sonja (en Kull and the Barbarians, donde sí mostró plenamente el vigor rabioso de su dibujo) y Solomon Kane (en Savage Sword of Conan y en Marvel Premiere).
Hacia la mitad de los setenta, su rebeldía le apartó de las grandes editoriales y le llevó a Star Reach para cuya cabecera homónima creó el space opera Cody Starbuck. Desde ese momento alternó producciones de índole comprometida con trabajos para las grandes empresas. Así, en Marvel inició la famosa serie Star Wars; trabajó para Warren, Archie / Red Circle y Charlton al tiempo que diseñaba sus propios mundos: The Scorpion (Atlas, 1975), Monark Starstalker (Marvel, 1976) y el de Gideon Faust (Star*Reach, 1976). No sólo creaba mundos, también nuevos modelos de edición, pues fue el autor de la –para algunos- primera graphic novel, la que adaptaba la obra de Samuel R. Delany Empire (Berkley/Windover, 1978), fue él quien se atrevió a llevar a viñetas la obra de Alfred Bester Stars, my Destination (Baronet, 1979, completada en 1992), y fue él quien adaptó la obra de fantasía heroica de Michael Moorcock The Swords of Heaven, The Flowers of Hell (Heavy Metal, 1979), historieta con la que renovó los lenguajes estéticos y narrativos del cómic estadounidense.
En los años ochenta dedicó sus energías casi por completo a la editora First, donde hallaron cobijo sus más arriesgadas y aclamadas series: Time2 (desde 1986) y American Flagg! (desde 1983). La última mencionada fue un vertido del saber artístico y narrativo del autor, así como un palenque ideológico y satírico que rompió moldes (fue nominada en 1985 como mejor historia corta de ciencia ficción en los premios literarios Nebula, algo inaudito hasta entonces). Tras esta demostración de creatividad, Chaykin fue reclamado por la gran industria de nuevo a finales de los 1980 para escribir y dibujar magníficas reinterpretaciones de The Shadow (DC, 1986), de Blackhawk (DC, 1987), el celebrado buddy cómic Scorpio Connection (Marvel, 1989) y la casi pornográfica pero no menos genial Black Kiss, que tuvo que publicar en Canadá (Vortex, 1988).
Durante los años noventa, Chaykin ejerció sobre todo como guionista, pero alcanzó logros igualmente elevados. Pocos ejemplos bastarán para recordarlo: Twilight (DC, 1990), el revival Ironwolf: Fires of the Revolution (DC, 1992), o la recuperación Farhrd & the Gray Mouser (Marvel/Epic, 1990), sus lápices para Batman: Dark Allegiances (DC, 1995) y Blood Truce: Captain America/Nick Fury (Marvel, 1995). De entre todas ellas destaca Power & Glory (Malibu / Bravura, 1994), por su inteligente y ácida parodia de los superhéroes y por su reflexión sobre el poder.
Estos últimos años, Howard ha seguido dibujando (para Aircel, Tekno, en la línea 2099 de Marvel...) y acumulando premios. En su domicilio reposan siete premios Eagle, un premio Inkpot, el italiano Yellow Kid Award y el asturiano Háxtur. Actualmente, alterna sus trabajos como guionista y productor de televisión con los cómics. Siete de los 22 episodios de Earth: Final Conflict fueron escritos por él y trabaja en la serie televisiva Mutant X. Al tiempo, ha sido coautor de las series plagadas de nostalgia Secret Society of Super-Heroes y American Century, de DC y de DC / Vertigo, respectivamente, y autor completo de Blackhawk 4000, otra vuelta al pasado a revisar personajes clásicos.
Ha contraído matrimonio al menos con dos mujeres: Daina Graziunas (colorista de Comet Man y Firestar, y coguionista de una de las etapas finales del Dreadstar de Jim Starlin, con quien Daina se casaría posteriormente) y Leslie Zahler (colorista de los primeros veinte números de American Flagg!). Imaginamos que ellas habrán inspirado a Howard a la hora de urdir sus últimos proyectos: Mighty Love, lanzamiento de DC de 2003, sobre la relación de pareja de dos superhéroes, y un cómic para Marvel sobre la vida privada de las superheroínas, titulado provisionalmente Female Problems.



En esta oportunidad, nos trae el comic inspirado en el famoso P.T. Barnum, que para los amantes del retro o de filmes de vampiros/ similares, se habra topado alguna vez con el famoso nombre del animador del circo .El animador-presentador estadounidense P. T. Barnum (1810 – 1891), es mejor recordado por sus entretenidos espectáculos tipo hoax y por fundar el circo que eventualmente se convertiría en el Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus. Barnum intentó retirarse del negocio del espectáculo en 1885, pero pronto tuvo que volver a entrar para pagar algunas deudas. En 1871, Dan Castello y William C. Coup convencieron a Barnum para prestar su famoso nombre y forro financiero al circo que ya habían creado en Delavan Wisconsin. Así, fue creado "P.T. Barnum's Great Traveling Museum, Menagerie, Caravan, and Hippodrome", que fue el verdadero principio del continuo funcionamiento de la encarnación actual del circo. Él pronto añadió, "The Greatest Show on Earth" como subtítulo a su show.


Link: Barnum : In Secret Service To The USA - Tomo Unico - Completo (Español)

The Man With No Name - 9 y 10 (Español)

Para todo amante del Western Spaghetti, y de las películas de Sergio Leone, con Clint Eastwood, películas como: A Fistful of Dollars (1964),For a Few Dollars More (1965),The Good, the Bad and the Ugly (1966)He aquí una serie de características en común como son, caza recompensas muy hábiles, el gusto por los cigarros, la ironía seca, el ambiente hostil y desolado, claro esta no podía faltar el poncho,además del detalle que nunca se les menciona su verdadero nombre.


“The Man with no name” de la editora Dynamite .Los mentes encargadas : Luke Lieberman (los argumentos) y Matt Wolpert (los diálogos).


Link: The Man With No Name - 9 y 10 (Español)

12/6/09

Marvel Zombies Dead Days - Oneshot - Completo - (Español)

Marvel zombies Dead Days forma parte del crossover Marvel zombies. Narra la historia de los primeros días de infección zombie en el universo Marvel, como guionista a Robert kirkman y como dibujante a Sean Phillips. Con portadas de Arthur suydam
Toda la historia se ubica paralela a la historia de Marvel zombies vs army of darkness en la parte que un recién mordido Spider man se dirige hacia su casa, hasta la parte en que Ashley J. Williams, la Bruja escarlata (Wanda maximoff) y Dazzler (Alison Blaire) son atacados por el dios del trueno Thor ya zombificado.
Todo comienza con Spider-Man dirigiéndose hacia su hogar, en el cual se encuentran Mary Jane y su Tía May, al parecer el sistema inmunológico de spider man aísla la infección por algunos momentos, pero después es infectado. A lo cual se devora a su tía y su esposa. Luego la escena cambia al asteroide M, con Magneto discutiendo con uno de sus subordinados. (Al parecer magneto hizo un trato con el virus pandimensional causante de la infección, para que muchos humanos comunes murieran y los mutantes tuvieran oportunidad contra ellos. Pero no tomo en cuenta que el virus infectaba a humanos y mutantes por igual). Luego se marcha a la tierra para ayudar a salvar a algunos sobrevivientes. Después vemos a Nova volando a casa de Peter Parker y al verlo zombificado, Spider-Man lo ataca, saliendo por la ventana. Cuando Nova estaba a punto de ser mordido llega Daredevil y lo salva de la infección. Para después ser mordido por Spider-Man.
En el Instituto Xavier; Storm, Cíclope, Wolverine, y Colossus pelean contra una zombificada Alpha Flight pero aparece Magneto que mata a los zombis y recluta a los X-Men para combatir a los heroes zombificados. La escena vuelve a cambiar, esta vez con Giant man (Hank pym) y Pantera negra. T´challa se da cuenta de que Giant man esta mordido, a lo que este le responde con un ataque. Argumentando que pronto se infectara y no se quiere quedar sin un bocado. La escena cambia de nuevo, ahora con los 4 fantásticos, con Reed Richards sosteniendo a su hijo muerto Franklin Richards y defendiéndose de una infectada She-hulk la cual es muerta por Susan storm ya que She-hulk también mato a su hija Valeria Richards. Después Reed Richards recibe una llamada de Nick fury
De regreso a Nueva York se encuentran peleando zombies contra no infectados, para que luego lleguen los 4 fantásticos y los lleven al Hellcarrier de S.H.I.E.L.D.. Ahí dentro hay una reunión de súper héroes no infectados para planear una resistencia, Nick Fury forma a un grupo de científicos compuesto por Iron Man, Reed Richards y Bruce Banner (Hulk) para encontrar una cura al virus pandimensional que ha infectado y zombificado a muchos héroes. Mientras los otros se concentran en encontrar supervivientes. Ahora en la mansión de los vengadores se ve a Hank pym ya transformado buscando a Los vengadores, quienes están devorando a su mayordomo Jarvis. Luego hay un cambio hacia el laboratorio de reed Richards en el porta aviones S.H.I.E.L.D., dentro Reed esta trabajando con un zombie, llegando a la conclusión de que no se enfrentan a una infección, sino más bien una evolución. A lo cual se ve enfurecida su esposa Susan. Después se ve a Tony stark trabajando con un portal interdimensional, para buscar, analizar y viajar hacia otras dimensiones alternas.
Poco después se ve a los héroes siendo mordidos entre ellos Nova y Wolverine, después Magneto intenta alejar un poco a los zombies y ordena la retirada. De regreso en el porta aviones s.h.i.e.l.d. se ve el laboratorio de Reed, reunido con los 4 fantásticos, a lo cual les dice que los ha infectado y que con la más mínima cortada en la piel se transformarían. Minutos después son zombificados y estos atacan a Reed con el fin de convertirlo a zombi. Después estos van en busca de los demás para comerlos o infectarlos, Nick fury sale corriendo con el portal y cierra las puertas de un cuarto en el cual se encuentran Thor, Dr. strange, Colossus, Storm y Nightcrawler. Ya que la puerta no resistiría mucho, Nick le ordena Thor destruir el portal, y así lo hace, acto seguido entra la Mole y poco después todos los héroes dentro del cuarto, menos Nick fury quien es devorado son zombies. Luego Reed Richards decide que tienen que construir un portal nuevo para devorar otras dimensiones y "divulgar el evangelio".



Link: Marvel Zombies Dead Days - Oneshot - Completo - (Español)

Just Imagine Stan Lee Creating The DC Universe - Libro 3 (Español)

Stan “The Man” Lee. De chico de los recados a padre del Universo Marvel Stanley Martin Lieber nació un 28 de diciembre de 1922 en la siempre luminosa ciudad de Nueva York. Poco después de terminar la secundaria, en 1940, Stanley entró a trabajar como ayudante y chico para todo en una editorial llamada Timely Comics, propiedad del marido de su prima, Martin Goodman. Timely Comics era conocida, entre otras cosas, por publicar las aventuras de cierto personaje abanderado creado por Joe Simon y Jack Kirby, el Capitán América, y pasaría a llamarse ya en los 60 Marvel Comics.El primer trabajo de Stanley como autor fue un relato de dos páginas publicado en la serie del Capi en 1941. Por aquellos tiempos, el joven Lieber aspiraba a una carrera como novelista y pensó en utilizar un seudónimo para firmar sus comics, ya que en aquella época se consideraban cultura de segunda. Con la firma de aquellas páginas nació Stan Lee, nombre que adoptaría legalmente décadas después. Tras viajar a Europa para luchar en la II Guerra Mundial, Stan volvió a Nueva York y tomó el puesto de editor en Timely, además de hacerse cargo de los guiones de numerosas series. En los años 50 Timely abandonó casi del todo los superhéroes y se dedicó a publicar comics de Funny Animals, westerns, historias de terror o comics para chicas como Millie the model o Nelly the nurse. La caza de brujas del Dr. Wertham y el senador Kefauver tampoco ayudó mucho a la industria del cómic, que amenazaba con expirar. Pero los 50 terminaron y empezaron a florecer los 60. Detective Comics (DC) comenzó de nuevo a publicar algunos comics de superhéroes y Goodman, que era como una veleta para las modas, le encargó a Stan que creara alguna cabecera de este estilo. En esta época Lee estaba ya muy quemado con la editorial (que había pasado a llamarse Atlas Comics y, por fin, Marvel Comics) y de tener que ir cambiando de registro continuamente, y cuando Goodman le encargó la creación de un grupo de superhéroes, estuvo a punto de dejarlo. En las entrevistas y artículos que escribe sobre el tema, Stan siempre dice que la culpable de todo fue su mujer, Joan. Parece que en una conversación de almohada Joan convenció a su marido de que le diera una última oportunidad a los comics, pero que lo hiciera a su manera. Si vas a dejarlo de todos modos, le dijo, por lo menos habrás hecho algo que te guste. Tras esto, Lee empezó a pensar en cómo deberían ser los superhéroes si vivieran en el mundo real. Primero de todo, no llevarían máscaras, sino que serían celebridades. Además tendrían problemas personales, familias, etc, como cualquier hijo de vecino. Así, en 1961 nacieron los 4 Fantásticos, cuatro tipos normales que adquirían superpoderes y luchaban contra monstruos y villanos. El éxito fue inmediato y abrumador, y todas contaban historias humanas enmascaradas tras mallas y acción trepidante. Esta nueva filosofía culminó con la creación de Spiderman en 1963. De nuevo Stan aprovechó un final, el de la cabecera Amazing Fantasy, que estaba a punto de cerrar en su número 15 por falta de ventas, para hacer algo completamente nuevo. Si los superhéroes solían ser adultos, fornidos y seguros de sí mismos, Peter Parker sería un adolescente escuálido y timido con un montón de traumas y una muerte en la conciencia que le impulsara a luchar contra el mal (nos recuerda a alguien quizas). Además tenía a su tía May, una ancianita adorable siempre preocupada por el pobre y “débil” Peter. Spiderman, y sobre todo Peter Parker, tuvo tanto éxito que no solamente consiguió inmediatamente serie propia sino que salvó del cierre a Amazing Fantasy y afianzó lo que ya se estaba comenzando a llamar la Edad de Plata de los comics. Con títulos como Spiderman, Daredevil, los 4 Fantásticos, el Increíble Hulk, el Doctor Strange o los X-Men en su haber, Stan “The Man” Lee se convirtió en uno de los mayores mitos de la historia del cómic, y en la única leyenda viva dentro del género superheróico. Ahora vive en Hoollywood y hace de productor ejecutivo en las adaptaciones cinematográficas de Marvel. Incansable difusor de Marvel como si de una religión se tratara, incapaz de decir una mala palabra de nadie gracias a su calculada falta de memoria, pésimo responsable de la política audiovisual de la factoría y emblema de una época y una forma de hacer comics, Stan Lee no deja de escribir columnas y guiones ocasionales, fundar empresas ruinosas -como Stan Lee Media- hacer apariciones públicas, e incluso realizar pequeñas interpretaciones cinematográficas. Como muestra del respeto que mantiene la industria hacia su figura, en el año 2001 tiene la oportunidad de recrear a los personajes fundamentales de DC en una serie de especiales titulados Just Imagine Stan Lee Creating... El estilo literario de Lee es grandilocuente, preñado de imaginación y recursos. Su carisma y capacidad creativa influyen en casi cualquier artista posterior a la Década Prodigiosa. Los cómics Marvel todavía se distinguen por llevar impreso en su primera página el celebérrimo Stan Lee presenta. Algunos de los personajes que recreeo en dicha seria que hizo para DC, son nada mas ni nada menos que Batman o Superman, Wonder Woman, Green Lantern, Flash, JLA, Catwoman, Robin, Aquaman, etc.
En el libro 3: Catwoman, Aquaman,Sandman y Crisis.

Link: Just Imagine Stan Lee Creating The DC Universe - Libro 3 (Español)

11/6/09

Preacher : Dead Or Alive - Covers By Glenn Fabry - Full (English)

Preacher is a comic book series created by writer Garth Ennis and artist Steve Dillon, published by the American comic book label Vertigo imprint of DC, with painted covers by Glenn Fabry.
The series consists of 75 issues in total — 66 regular, monthly issues, five one-shot specials and a four-issue Saint of Killers limited series. The entire run has been collected in nine trade paperback editions. The final monthly issue, number 66, was published in July 2000. Preacher tells the story of Jesse Custer, a down-and-out preacher in the small Texas town of Annville. Custer was accidentally possessed by the supernatural creature named Genesis in an incident which killed his entire congregation and flattened his church.
Genesis, the product of the unauthorized, unnatural coupling of an angel and a demon, is an infant with no sense of individual will. However, as it is composed of both pure goodness and pure evil, it might have enough power to rival that of God himself. In other words, Jesse Custer, bonded to Genesis, may have become the most powerful being in the whole of living existence.
Custer, driven by a strong sense of right and wrong, goes on a journey across the United States attempting to (literally) find God, who abandoned Heaven the moment Genesis was born. He also begins to discover the truth about his new powers, which allow him to command the obedience of those who hear his words. He is joined by his old girlfriend Tulip O'Hare, as well as a hard-drinking Irish vampire named Cassidy.
During the course of their journeys, the three encounter enemies and obstacles both sacred and profane, including: the Saint of Killers, an invincible, quick-drawing, perfect-aiming, come-lately Angel of Death answering only to "He who sits on the throne"; a serial-killer called the 'Reaver-Cleaver'; The Grail, a secret organization controlling the governments of the world and protecting the bloodline of Jesus; Herr Starr, ostensible Allfather of the Grail, a megalomaniac with a penchant for prostitutes, who wishes to use Custer for his own ends; several fallen angels; and Jesse's own redneck 'family' — particularly his nasty Cajun grandmother, her mighty bodyguard Jody, and the 'animal-loving' T.C.
Preacher focuses on narrative storytelling and characterization. It drew considerable praise (and protest) for its unapologetic handling of religious and supernatural themes, its dark and frequently violent humor, and its wide range of allusions to popular culture outside of comic books.
In particular, Preacher draws on movies, particularly western movies, for many of its stylistic elements. For example: an apparition of John Wayne is a recurring character and serves as a sort of spiritual guide or conscience for Custer; Monument Valley and The Alamo serve as backdrops to various legs of the journey; for a time, Jesse acts as the sheriff of a small town in Texas, and must protect the inhabitants from harm; the image of the Saint of Killers, a reformed outlaw-turned-evil-once-more in the tradition of Clint Eastwood's Unforgiven character, William Munny, is a nod to the classic Western notion of nemesis, straight and true and terrible.
The series also invokes ideas popularized by such books as Holy Blood, Holy Grail. Like Holy Blood, Holy Grail, Preacher claims that there is a still-viable bloodline descending from Jesus Christ and Mary Magdalene. Herr Starr reveals to Cassidy that Jesus had children, and did not die on the cross, but instead lived to middle-age, and was killed by a runaway dung cart. After his death the Grail guardians took away his offspring, who were forced to intermarry with one another in order to keep Jesus' divine power within the bloodline. For over 2000 years this intermarrying perpetuated an incestuous family tree culminating with the mentally handicapped descendants of Jesus having a child, during the birth of whom the mother dies, effectively producing the last generation of the Jesus' line.
The original plot and assumptions of Preacher was spun out of Ennis' run on Hellblazer: what would happen if an angel and a demon mates and the spirit of their offspring ends up in a mortal man? Like many comics spun out of DC's 70s work, it incorporates the idea of the Christian God (Jahve) as the creator who has left his creation. Other related comics include Swamp Thing and Sandman (and its spinoffs, like Lucifer).
In the beginning of the narrative, told in retrospect in the first issue of Preacher, Jesse Custer is a vicar of dubious nature, just about to address the members of his parish after a night of heavy drinking and with many enemies in the audience. This opening scene is identical to the famous opening of Selma Lagerlöf's novel Gösta Berling's Saga.
Additionally, the series examines the role of American identity and ideals in the modern age. This extends beyond the personal level, where old-fashioned western "Cowboy" ethics and attitudes meet modern feminism, to the collective level, where the traumas of the Vietnam War, corporate excess and the cyclical nature of violence, among other things, are explored. The conflict between liberal and conservative politics is also examined, as are depression, repression, sexuality, pornography, drug use, homelessness and immigration.
A symbolic presence is that of Arseface, a teenager who attempted to imitate the suicide of rock star Kurt Cobain by shooting himself in the face with a shotgun. He survived the suicide attempt, and after many attempts at reconstructive plastic surgery ended up as a 'fella with a face like an arse'. (In the later issues, Arseface goes through a sped-up cycle of American fame: underground sensation to popular star to lawsuit bait and target of censorship. In the end, his manager takes all his money.)


Aunque el libro de Gleen Fabry esta en ingles, al ser una coleccion de covers (tapas) de comics,el porcentaje de lectura es muy bajo por lo tanto se considera casi como lectura sin dialogos.

Link: Preacher : Dead Or Alive - Covers By Glenn Fabry - Full (English)

Osamu Tezuka: Adolf - Tomo 1 al 3 - (Español)

Osamu Tezuka (手塚 治虫, Tezuka Osamu, Osaka 3 de noviembre de 1928 - 9 de febrero de 1989) fue un dibujante de manga y animador japonés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様, manga no kamisama), debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga.
Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka.
Entusiasmado por el género de la animación (y especialmente los trabajos de Disney), comenzó a dibujar cuando aún era un niño. Los horrores de la Segunda Guerra Mundial también marcaron sus sensibilidad y desde el primer momento procuró transmitir con sus dibujos mensajes optimistas y humanitarios.
Su primer trabajo de importancia lo realizó a los 20 años. Se trata de la serie Shin Takarajima ("La nueva Isla del Tesoro"), pero hasta los años 50 no surgieron la mayor parte de sus grandes y famosos personajes, como Janguru Taitei, Tetsuwan Atom ("Astroboy") y el no menos famoso Ribbon No Kishi ("La princesa caballero"), considerado el primer manga del género shojo de la historia.
El éxito continúa en las siguientes décadas, con series como Hi no Tori ("Fénix", 1954), Black Jack (1973-84), Buddha (1972-83) y Adolf (1983), dando un giro profundo con la culminación de la serie MW (1976 - 1978), en la que abordó temas muy poco frecuentes en el manga de la época, como la homosexualidad, la corrupción política o las armas químicas.
Osamu Tezuka falleció el 9 de febrero de 1989, dejando así inacabadas las obras a las que se dedicaba entonces, Ludwig B y Neo Faust. La considerada por muchos su obra maestra, Hi no Tori, la había acabado tan sólo un año antes de su muerte, más de 30 desde su inicio en 1954.
Al poco tiempo de su muerte algunos de los periódicos japoneses más importantes pidieron que se le entregara el premio novel de literatura, aunque fue rechazado. Nadie le discutió sin embargo su aclamación como "el dios del manga", perpetuando así su influencia en generaciones de lectores y autores, y en la historia y cultura de todo un país en su conjunto. Desde 1997 se celebra anualmente el Osamu Tezuka Culture Award, en honor al aporte de Tezuka al manga moderno, premio donde son galardonados aquellos mangaka que siguen la visión de Tezuka.
Se estima que realizó en vida aproximadamente unos 700 mangas (llevaba a cabo los guiones de varios mangas de manera simultánea y en un corto espacio de tiempo, ya que era un prolífico mangaka muy desprestigiado por algunos de sus compañeros coetáneos, pero cuyas obras superaban con mucho la calidad de éstos), dibujó más de 150.000 páginas y realizó más de 60 películas en 35 años. Las obras de Tezuka son numerosas, pero las dos más famosas y elaboradas son sin duda Buda y Fénix.
Buda es una magna obra publicada en ocho volúmenes que recrea de manera documentada aunque muy personal, la vida de Sidartha Gautama Buda, el primer hombre en acceder a la iluminación y fundador del budismo. En esta obra cumbre Tezuka consigue exponer al lector a algunas de las bases mas serias y profundas del Budismo hilvanando con maestría las anecdotas rodeando la vida de Buda desde su nacimiento hasta su muerte.
Fénix es, por otra parte, la obra más íntima de Tezuka. Aunque no pudo finalizar antes de su muerte, el prestigio de esta obra de Tezuka ha aumentado exponecialmente con los años. En Fénix se recrea la eterna búsqueda del ser humano por la inmmortalidad a través de una serie de historias que suceden en tiempos diferentes con civilizaciones que nacen y perecen. El quinto volúmen, Ho-ō (Karma), es considerado el corazón de esta obra, en donde se plasma de manera magistral la progresiva transformación de un criminal y su abandono del mal. Recientemente, la NHK japonesa ha editado esta obra en DVD tras 40 años de trabajo con los últimos avances digitales de imagen y sonido, sustentada además en una banda sonora ejecutada por la orquesta filarmónica de la cadena pública japonesa. Esta auténtica joya de la animación tiene traducción al inglés pero por desgracia todavía no está disponible en castellano.
De entre las obras menos conocidas del genio nipón caben destacar por su belleza Mañana los pájaros, oda apocaliptica del fin de la raza humana a mano de unos pájaros superdesarrollados y Oda a Kirihito en la que Tezuka nos guía por unos de sus escenarios favoritos, el mundo de la medicina, de la ciencia y del humanismo. En "El árbol que da sombra" (Hidenari no Ki , 1981), aborda la época final del shogunato (1850-1870), tomando como hilo conductor las aventuras de sus antepasados médicos, que tenían restringido el ejercicio de la medicina occidental "holandesa", frente a la medicina oficial "evidencialista".

Tezuka también fue también uno de los pioneros de la animación japonesa, pero antes de 1963 no consiguió hacer versiones de sus famosos mangas. Creó su propia empresa, Mushi Productions, con la que creó la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom ("Astroboy", que contaría con dos versiones más en años posteriores). Luego vendrían Janguru Taitei ("Kimba el león blanco"), Ribbon no Kishi ("La princesa caballero")... Todas ellas fueron grandes éxitos, lo que no impidió que su productora, tras repetidas crisis financieras, se viese forzada a cerrar su estudio de animación a mediados de los 70.
En 1965, tras leer el manga Astro Boy, fue invitado por Stanley Kubrick a ser el director artístico de 2001, Odisea del Espacio. Oferta que rechazó al suponerle trasladarse al Inglaterra durante largo tiempo.
La empresa Disney, que tanto había influido a Tezuka en sus inicios, crearía una de sus mejores obras (El Rey León), basándose en una de las grandes obras de Tezuka, Janguru Taitei ("Kimba el león blanco")).

En el 2001 como muchos recordaran en un esfuerzo conjunto de Katsuhiro Otomo y Rintaro se realizo el anime Metropolis, basado en el manga de Tezuka, ambientada en el futuro, "Metropolis"es una grandiosa ciudad habitada por humanos y robots, los cohabitantes de una sociedad estrictamente segmentada. En medio del caos creado por facciones de robots, el detective Shunsaku Ban y su secuaz Ken-ichi buscan al rebelde científico el Dr. Laughton, para arrestarle y quitarle su última creación, Tima, una preciosa joven. Cuando les localizan, Shunsaku pronto se da cuenta que el excéntrico científico está muy lejos de su alcance, ya que le protege un hombre muy poderoso cuyo deseo más feroz es recuperar una trágica figura de su pasado. El anime fue un exito y aunque la version era dirigida por Rintaro con guion de Otomo, se podia ver tanto en la animacion como en el espiritu de sus personajes el sello de Tezuka.
Otras historias de Osamu Tezuka se versionarian despues, como la nueva serie de Astroboy y Cyborg 009, o incluso una version filmica demasiado libre casi "bizarra" de Black Jack.
Tambien se espera para este año el estreno de la nueva pelicula animada en Cg de Astroboy,
con voces famosas como la de Nicolas Cage como el cientifico Tenma.

Adolf, conocida en Japón como Adorufu ni Tsugu (アドルフに告ぐ, Adorufu ni Tsugu). Empezó a publicarse en 1983. Se encuentra en el género del manga bélico. La historia comienza con el ascenso del nazismo durante las olimpiadas de Berlín y termina en 1983. Se centra en tres hombres con el nombre de Adolf. Adolf Kamil (アドルフ・カミル), un judío, su mejor amigo Adolf Kaufmann (アドルフ・カウフマン), ambos residentes en Japón y el tercer Adolf, Adolf Hitler (アドルフ・ヒトラー).
La aparición de unos documentos sobre el origen judío de Hitler pondrán en peligro el régimen Nazi, estos documentos serán buscados por miembros de la gestapo y la "Kempentai" (policía secreta japonesa) para destruirlos. En el otro bando se encuentran los enemigos del partido Nazi que quieren hacerlos públicos.
En este manga se muestran los horrores de la segunda guerra mundial en Europa con el exterminio de los judíos y en Asia con las matanzas llevadas por las fuerzas imperiales japonesas. Tras la guerra la acción se traslada al nuevo estado de Israel, con Kaufmann y Kamil en bandos enfrentados.
Algo destacable de este manga es la gran cantidad de personajes que aparecen con importancia en la trama, tanto japoneses como alemanes o judíos.
Tres Adolf que tuvieron vidas totalmente distintas:
Adolf Kamil: Uno de los tres Adolf que dan nombre a la serie, sus padres son judíos alemanes y él nacido en Japón. Sus padres regentan una panadería en la ciudad de Kobe. Kamil es el mejor amigo de niñez de Adolf Kaufmann. Siempre intenta ser tratado como un japonés y se enfrenta a la intolerancia de los japoneses con los extranjeros. Emigra al nuevo estado de Israel donde entra en el ejército. Tras entrar en el ejército perpetrará matanzas contra los palestinos incluyendo a la mujer e hija de Kaufmann. Es el último Adolf en morir en 1983 en un atentado terrorista en Israel.
Adolf Kaufmann: De padre alemán y madre japonesa. Su padre es un importante miembro del partido Nazi en el consulado alemán en Kobe. Es el mejor amigo de Kamil, a pesar de que su padre se opone a su amistad con un judío. Su madre es una japonesa que ha conseguido la nacionalidad alemana. En el manga se muestra su transformación hacia el nazismo más radical, llegando a matar al padre de Kamil. El ascenso de Kaufmann en el partido empieza con su ingreso en la Adolf Hitler Schule, pasando por ser secretario personal de Hitler ingresará en las SS. Volverá a Japón para buscar los documentos sobre los orígenes de Hitler, encontrándolos el día después de su muerte. Tras la guerra debe huir de los judíos que quieren matarle por su pasado nazi, en su huida se une al grupo septiembre negro. Su mujer y su hija palestinas son asesinadas por Kamil. Intenta buscar venganza, pero Kamil le mata.
Adolf Hitler: El último Adolf, tendrá relación directa con Adolf Kaufmann. En la version de este manga es asesinado por un inspector de la gestapo que finge el suicido del Führer en el bunker. En el manga explican su ascendencia judía porque su abuela fue violada por el hijo de la familia judía en la servía, naciendo como resultado el padre de Adolf.
Sohei Toge: Un periodista japonés enviado a Alemania para cubrir los juegos olímpicos de Berlín, descubre allí que su hermano ha sido asesinado por los nazis que buscan los documentos. Dichos documentos provocaran que a partir de este momento lleve una vida dedicada a derrotar a los nazis para vengar a su hermano. Al volver a Japón contrae matrimonio con la madre de Adolf Kaufmann.
Isao Toge: Un estudiante japonés en Berlín, será asesinado tras recibir los documentos. Consigue que estos lleguen a Japón hasta su antigua profesora del colegio. Es el hermano de Sohei.
Coronel Honda: un alto cargo de la policía militar japonesa que se siente atraído por la madre de Adolf Kaufmann, y que la ayuda en todo momento gracias a sus influencias.
Jefe Lampe: miembro de alto grado de la Gestapo, intenta encontrar los documentos de Sohei Toge y acabar con él, pero no lo consigue y pierde a su hija.


Link: Osamu Tezuka: Adolf - Tomo 1 al 3 - (Español)

Deadman - Dead Again - 5 de 5 - Completo (Español)

Arnold Drake comenzó a escribir comics en los años 50’s,escritor de comics desde los años cuarenta, Drake conoció a Bob Kane por esa época, introduciéndose asi en el mundillo del cómic en la editorial DC. Títulos como House of Mystery, My Greatest Adventure, Mark Merlin, Space Ranger, Batman y Tommy Tomorrow fueron de sus primeros trabajos en la editorial. La mayoria de sus creaciones en los años 60 surgieron a causa de que algún editor le dijo que la colección tenía problemas de ventas y necesitaba una nueva visión. Así fue como de la mano de Bruno Premiani y Bob Haney crearon Doom Patrol, en las páginas de My Greatest Adventure, o "gracias" a las pocas ventas de Strange Adventure surgió el personaje de Deadman. Tras su marcha de DC y un breve paso por Marvel escribiría guiones para series como Twilight Zone, Star Trek o La pequeña Lulu.
Mas conocido por ser el co-creador de "Doom Patrol" (junto al co-guionista Bob Haney y al dibujante Bruno Premiani) y por ser creador de "Deadman" (junto a Carmine Infantino como dibujante). También escribió muchos comics de humor para la DC: "Dobie Gillis" (con dibujos de Bob Oskner), "Jerry Lewis", y "Stanley and His Monster" entre otros .
Cuando a fines de los 60’s dejo DC (después de participar en un movimiento para exigir mejores sueldos y beneficios), pasó a la Marvel donde creó los "Guardians of the Galaxy" y escribió varios números de los X-Men (Havok y a Polaris). Drake decía que él trató de llevar el estilo Marvel a la DC cuando creó a "Doom Patrol", pero que por lo general los editores no entendían lo que estaba haciendo Stan Lee, ni porqué era tan popular.
Al escribir "Little Lulu" (aunque llegó más tarde, cuando los dibujos habían menguado) y otros comics para la Gold Key.

Hace tiempo se rumoreaba que estaba preparando una novela gráfica de la "Doom Patrol" original para la DC, junto al dibujante Luis Dominguez (veterano de los títulos de terror de los 70’s), despues de su fallecimiento, quedo a la espera de publicarse.

Deadman, en su historia narra la vida del ex trapecista de circo Boston Brand, reconvertido en un espíritu capaz de tomar posesión de cuerpos vivos para arreglar cualquier problema.
Ha sido escrito despues por varios de los grandes, como Neal Gaiman, y aunque no es conocido para muchos, ha tenido apariciones en conjunto con muchos personajes del universo DC, con Batman sobre todo, con la JLA y en Kingdom Come de Alex Ross tuvo su rediseño (como en muchos otros personajes reinventados por Alex Ross) aunque en su caso bastante mas tetrico que el original, por deberse que despues de muchas decadas, Boston al ser un espectro, asume o mas bien se deja llevar por el hecho de que es un muerto, por eso su apariencia termina siendo la de un esqueleto con su traje muy roido. Esta aparicion es en otro plano, junto a los demas misticos de DC, como Dr Fate,The Spectre, Phantom Stranger, Zatanna, etc, que no intervienen en los hechos que estaban ocurriendo en la tierra.
Tambien tuvo apariciones en La Liga De La Justicia Ilimitada, teniendo que buscar las almas robadas por Lex Luthor, Grod y "La Liga De La Injusticia", con ayuda de Batman, Wonder Woman y tomando el cuerpo de Superman, un detalle particular del capitulo es que se revela el "ridiculo" plan que Grod tenia en la tercer temporada de La Liga Ilimitada, que era involucionar a todos los seres humanos en simios como este. Tambien de que por salvar a Diana, Boston debe hacer uso del cuerpo de Batman teniendo que asesinar accidentalmente, hecho que molesta profundamente a Batman que es sabido que su regla por ensima de todas es no matar.
Tambien junto a Batman se lo puede ver en la nueva serie Batman The Brave And The Bold, donde se cuenta su origen y se le da mas protagonismo que en La Liga, donde junto al señor de la noche se enfrentan ironicamente a otro especto, Gentlemen Ghost, que la verdad tambien habia tenido una muy breve aparicion en La Liga.
Se sabe hace tiempo que el director Guillermo Del Toro (Hellboy, El Laberinto de Fauno) quiere hacer una película basada en Deadman.
Y la gente de Warner (que como es sabido produce todo de DC) estaba un poco retisente con la idea de financiar tal emprendimiento, asi que le propusieron al director algo que puede sonar mal,(sobre todo por la trayectoria y la carrera y prestigio cada vez mas ascendente que tiene Del Toro) aunque dentro de los estudios cinematograficos se suele hacer aunque no sea del todo usual : financiar un trailer. Por lo visto, WB le hiba a financiar un trailer de 3 minutos sobre el personaje, para que Guillermo Del Toro les muestre su vision del personaje.

En esta oportunidad, tenemos una historia que fue bastante especial, ya que enlaza de cierta manera eventos sumamente importantes en el Universo DC, y la intervencion de Deadman luego de las muertes y/o eventos relacionados con algunos de sus personajes emblematicos, como Superman, Hal Jordan, Flash o Robin.

Link: Deadman - Dead Again - 5 de 5 - Completo (Español)

El Asco - Tomo 1 al 3 - Completo (Español)

Grant Morrison (31 de enero de 1960), es un guionista de cómics escocés, nacido en Glasgow. Es conocido por su narrativa no lineal y sus inclinaciones a tratar temáticas contraculturales en sus obras. Comenzó su carrera profesional trabajando para publicaciones destinadas a Reino Unido para, de forma progresiva en los primeros años de los años noventa, pasar a centrar su trabajo en Estados Unidos.
Es conocido por tomar el control de personajes clásicos, reinterpretándolos y relanzándolos con éxito (Animal Man, Doom Patrol, JLA y New X-Men, entre otros). Suele compaginar trabajos personales y destinados a un público minoritario, generalmente para Vertigo, con trabajos para personajes famosos e icónicos para grandes editoriales, como Arkham Asylum para Batman, una de sus más obras más aclamadas.
Gran parte de la fama que Morrison ha alcanzado ha sido gracias a los temas contraculturales tratados en sus obras como las drogas, la imaginación, la metaficción, la fantasía, el sexo, la violencia, y un largo etcétera. Muy influenciado por obras de medios muy diversos, que abarcan desde la literatura de Thomas Pynchon a la plástica de Andy Warhol, pasando por las reflexiones sobre los alucinógenos de Terence McKenna o el vudú de Michael Bertiaux.
En otros campos, ha sido premiado por sus obras de teatro, ha realizado varios guiones de cine, como Sleepless Knights y el de la adaptación de una de sus obras, We3. Además, ha realizado el guión de varios videojuegos como Área 51, Predator: Concrete Jungle y Battlestar Galactica.
En 1986 Morrison comienza a colaborar con algunas publicaciones de Marvel UK y, sobre todo, con la mítica revista británica 2000 AD, con la que ha seguido colaborando regularmente hasta mediados de los 90. En esta revista llamó la atención en 1987 con su serie Zenith protagonizada por un particular superhéroe, lo que propiciaría su desembarco en U.S.
Una vez introducido en el mercado estadounidense, Morrison ha desarrollado su obra más personal dentro de la línea Vértigo de DC, para la que ha colaborado regularmente desde finales de los 80 hasta la actualidad, primero reinterpretando personajes clásicos de DC en Animal Man y Doom Patrol, y luego con títulos de creación propia como Los Invisibles (su obra más extensa y más personal), Mata a tu novio, Flex Mentallo, y la más reciente The Filth (traducida al español como El asco).
La novela gráfica Arkham Asylum (1989), ilustrada por el británico Dave McKean, fue su primer éxito masivo (vendió más de 200.000 ejemplares en los primeros tres meses tras salir a la venta y recogió un buen número de premios), gracias a una particular interpretación de los mitos de Batman.
En 1997, se encarga de relanzar con gran éxito la serie regular de la JLA, el supergrupo por excelencia de DC, minimizando su estilo personal y realizando historias perfectamente clásicas con un enfoque épico. Morrison convirtió a la serie en la más vendida de DC y ganó de nuevo el favor de la crítica.
Ya en 2000, tras finalizar su etapa en JLA recala en Marvel y realiza dos miniseries para el sello Marvel Knights: Marvel Boy (donde deja bastantes de sus ideas características y ha expresado su deseo de realizar una secuela) y Fantastic Four: 1234. Desde mayo de 2001 se encarga de un exitoso relanzamiento de X-Men en New X-Men, donde realiza uno de sus mejores trabajos hasta la fecha con personajes populares pre-existentes, insuflando nueva savia a unos personajes que llevaban años sin rumbo. En dicha serie se mantuvo desde el número 114 al 154. Tras finalizar su etapa en Marvel regresa a DC, trabajando en diversas series limitadas de la línea Vertigo, como WE3 o Seaguy, ayudando a relanzar todo el Universo DC luego del evento Infinity Crisis y preparando un relanzamiento de la serie de Wildcats, perteneciente al sello de DC, Wildstorm.



Recordando un poco a Flex Mentallo, este es otro de los mundos que parece salido de la mente del mayor de los consumidores de alucinógenos que hay sobre la tierra, el escritor británico es, sin duda un hábil guionista que tiene una virtud que no se suele encontrar en sus compañeros: ecribe historias completas que habitan los diferentes números de sus trabajos pese a que parezca que hay muchas pequeñas historias que se unen , terminando al final con grandes revelaciones que aunque sorprenden, tienen sentido si uno relee toda la colección, ya lo hizo en New X-Men y lo hace aquí también.
El Asco cuenta la historia de Greg Feely (desdichado adicto al porno obsesionado con su gato) que descubre por casualidad que sólo es la parapersonalidad del agente Ned Slade que trabaja para La Mano, una superorganización con jurisdicción sobre todas las agencias terrenales dividida en diferentes divisiones que se dedica de forma encubierta a "operaciones de superlimpieza", eliminando amenazas para el saneamiento global (una organización muy surrealista y llena de elementos extraños muy al estilo Morrison). El caso es que lo han sacado de su retiro por la fuerza para que detenga a un agente renegado que ahora supone una gran amenaza para la humanidad. Este argumento que, en apariencia, no es demasiado complejo está completamente salteado de reflexiones metafísicas, mentiras, situaciones surrealistas, cargadas de contenidos sexuales y llevadas a los extremos más lejanos de la locura, el sadismo y la perversión salido de las peores pesadillas de Morrison.


Link: El Asco - Tomo 1 al 3 -Completo (Español)

10/6/09

Gamera - The Guardian Of The Universe - 4 of 4 - Full (English)

Gamera is a giant, flying turtle from a popular series of kaiju (Japanese giant monster) films produced by Daiei Motion Picture Company in Japan. Created in 1965 to rival the success of Toho Studios Godzilla series during the monster boom of the mid-to-late 1960s, Gamera has gained fame and notoriety as a Japanese icon in his own right.
Gamera's size rivals that of his famous counterpart, Godzilla. Unlike any other species of turtles, Gamera has the habit of walking bipedally rather than on all fours, though he occasionally walks quadrupedally in his first three films. Gamera was capable of using his upper limbs in the same manner as Godzilla, as his forelegs had appendages much closer in construction to hands than feet, and was capable of grappling with opponents and manipulating objects. His mouth is filled with teeth, unlike any other living modern turtle (several types of extinct prehistoric turtles were toothed, however), with a pair of large tusks protruding upward from his lower jaw. Gamera is also usually seen with very large human-like eyes, adding intelligence to his overall appearance.
In the Shōwa era series, Gamera was a titanic, fire-breathing antediluvian species of tortoise who fed on flames, reawakened by an accidental atomic blast in the Arctic during an aerial assault by US fighters on Soviet bombers caught crossing into North American airspace. The narrative points out that Gamera had appeared in the past, revealed in an ancient stone etching. Gamera was already capable of flight and breathing fire (rather than atomic rays like Godzilla) when he was reawakened.
In the Heisei era series, however, the origin of Gamera was tweaked to make the theme much more directly heroic: a bio-engineered Guardian of the Universe created by Atlantis with the purpose of defeating Gyaos, another ancient creation capable of killing all human life. The giant turtle is found floating adrift in the Pacific, encased in rock and mistaken for an atoll. Within the rock, investigators discover a large monolith explaining Gamera's purpose, as well as dozens of magatama, which allow a psychic link between Gamera and humans. In the third film of the series, an undersea graveyard is found with many other Gamera fossils, suggesting Gamera was not the only member of his kind created. One character in the film refers to these fossils as "beta versions" of Gamera, possible failures in Atlantis' attempts to create the final version. Another scene provides Gamera with a link to Asian folklore, with a character relating a story in which a giant tortoise is considered the Guardian of the North, with separate, rival creatures defending the East, West and South.
Gamera's continuity was rebooted again in the only film of the Millennium era. The film begins with the original Gamera sacrificing himself to destroy several Gyaos in 1973. 33 years later, a young boy finds a strange, glowing red rock near his home, with a small egg lying on top of it. A fairly normal looking baby tortoise soon hatches from the egg, but begins to grow at an alarming rate. The turtle, now named "Toto" by his preadolescent owner, quickly develops Gamera's classic abilities to breath fire and fly, and attempts to ward off another attacking monster, Zedus, but is too weak to succeed. Only after eating the glowing rock found with his egg does the new Gamera achieve his full power, defeating Zedus and flying off into the sky.
Gamera's shell is extremely resilient and strong. Missiles and other weaponry merely bounce off it, along with most of his opponents' attacks. There have been a few times where his shell has faltered, most notably when the alien cyborg Guiron hammered at the same spot several times and began cutting through. The flying monster Gyaos' sonic beam, the alien shark Zigra's paralyzing beam, and the mutant lizard Barugon's rainbow ray cannot penetrate Gamera's shell, shown in the films when he withdraws into his shell to avoid the attacks. Gamera's stomach, however, is softer and not as resilient, and he has been cut and gouged in his stomach to the point of bleeding.
In the Showa series, Gamera fed on fire and was attracted by other heat sources, such as power plants and Barugon's rainbow ray attack. He could breathe intensely hot streams of flames from his mouth when caught in a more serious situation. The Heisei version, on the other hand, could blast off mighty plasma fireballs from his mouth, usually very quickly, and with varying accuracy; they were highly explosive. The Heisei version could also absorb a great deal of mana, or the living essence and energy of life on Earth, and release an extremely powerful stream of pure plasma from his chest. In the final film of the Heisei series, Gamera blasted his own arm off and absorbed plasma fireballs shot by the mutant Gyaos Iris and used his stump to grow back his arm in a plasmic form.
Gamera also has the ability to fly. Generally, Gamera pulls in his arms, legs, head, and tail into his shell, fires flames out of his arm and leg cavities and spins around like a flying saucer. This mode of flight had an added advantage in the later films, where he used the sharp edges of his shell to cut enemies while spinning, similar to a circular saw. He has a second way of flying, where he only pulls in his legs and/or tail, fires flames from the leg cavities, and flies like a jet. In the Heisei era films, Gamera's arms would extend and stretch out into wings similar to the flippers of a sea turtle whilst using this form of flight, giving him added aerodynamics and control.
The Heisei films gave Gamera one more additional weapon: a pair of sharp spikes protruding from his elbows. In his first Heisei appearance, these spikes were hidden during the majority of the film, extending only when needed in battle. In later appearances they were permanently extended.
When seriously or gravely injured, Gamera can enter a coma-like state in order to heal. This often fools his opponents into thinking that he is dead. This ability has been used in almost every Gamera film.
Gamera's only major weakness is cold. Barugon was able to achieve success against Gamera using his freezing spray, and scientists nearly defeated Gamera during his first appearance using special freezing bombs. This weakness was only shown in Gamera's earliest films, and has not been explored since.
Showa series
Gamera made his first appearance in 1965's Gamera, which was also the only Gamera film to be in black-and-white. Subsequent films, usually directed by Noriaki Yuasa and written by Nisan Takahashi, quickly became a big hit with children, who loved watching Gamera fight monsters. A seventh sequel was slated for a 1972 release, tentatively titled Gamera vs. Garasharp. Gross mismanagement of Daiei, however, put the company into bankruptcy, and the Gamera films were forced to cease production.
After Daiei was purchased by Tokuma Shoten in 1974, the new management wanted to do a new Gamera film in 1980, so Gamera: Super Monster was produced. The majority of the film used stock footage (with limited new scenes of Gamera flying), and acted as a "recap" of Gamera's history. However, Yuasa and Takahashi felt that they had done all they could with the monster, so they respectfully killed off Gamera at the end of the film.
Heisei series
This series began with Gamera: Guardian of the Universe.
During the course of the first film, three Gyaos are discovered on a remote island. The Japanese government discovers that they are all female, and decides that since they are the last of their kind, they should be captured and studied. So a trap is set for them. Meanwhile, a search has been assembled for a moving atoll in the Pacific. They find it, staying still and search the surface, finding many small gems made of an unknown metal. They also discover a stone sticking up out of the center of it, and they attempt to dig it out. They manage to take pictures and collect some of the strange gems, but the stone crumbles and the atoll takes off towards Japan at high speeds. It ends up that the atoll is actually an ancient monster, made by the Atlanteans, called Gamera. He attacks the Gyaos, killing two, but one escapes. It feasts on the other newly born Gyaos and grows to Gamera-like proportions. The two battle and Gamera manages to defeat it, heading back to the seas.
In Gamera 2: Advent of Legion, Earth was attacked by an alien force known as the Legion.
In Gamera 3: Awakening of Irys, Gamera had to face hoards of Gyaos and his ultimate foe, Iris.
Millennium series
Gamera the Brave returns Gamera to his Showa roots, but with a modern twist. In the film, Gamera is first seen defending Japan back in the 1970s from the Gyaos, but sacrifices himself to destroy them by self-destructing. In the present, the child of a man who witnessed that battle finds a turtle egg that hatches into a baby Gamera that he names Toto. When a giant lizard monster named Zedus appears, Toto tries to fight the beast, but ends up being gravely wounded and taken by the military for study. He ends up escaping and growing to a larger size to try and fight Zedus again, this time succeeding against the monster.
In popular culture
Gamera appears (under the name Ghamoo-ra) as a guardian beast in the Blackfathom Deeps instance dungeon in the World of Warcraft MMORPG. Additionally, a smaller tortoise named Gammerita is seen patrolling the eastern coast of The Hinterlands, and is the focus of two separate quests.
Gamera, along with Godzilla and some other monsters, appear in side stories of Dr. Slump.
One of the bosses in Space Harrier 2 resembles a giant turtle hovering in its shell. Unlike Gamera, the turtle has three heads.
An episode of the animated series Justice League Unlimited had a team of superheroes consisting of Supergirl, Green Lantern, Star Girl and Stripe briefly battle a nuclear-powered giant turtle in Japan that was a homage to Gamera, right down to the flame-spinning flight.
In an episode of Dragon Ball, the turtle hermit Muten-Rôshi summons a baby Gamera to use as a means of transportation.
In the popular webcomic Megatokyo, Gamera has a descendant named Gameru who is an alcoholic that is constantly in and out of rehab.
Gamera is a bonus track on the album Millions Now Living Will Never Die by post-rock band Tortoise.
Gamera has made a few cameo shots in The Simpsons, for instance the episode 30 Minutes Over Tokyo.
Gamera made an appearance in The Grim Adventures of Billy and Mandy movie Billy and Mandy's Big Boogey Adventure and his spoof Cragera appeared in the episode Giant Billy and Mandy All-Out Attack.
Dark Horse Comics, which also held the license for Godzilla, created a four issue mini-series based on the Heisei Gamera, which took place between the events of Gamera: Guardian of the Universe (This One) and Gamera 2: Advent of Legion.
Gamera's trademark roar was utilized by Toho studios for the roar of the Godzillasaurus, a form of pre-Godzilla before mutation from the exposure of an atomic blast, in Godzilla vs. King Ghidorah.
In the Detective Conan series, there is a parody of Gamera called Gomera.
In the Pokémon anime, Squirtle performs the move Hydro Pump in much the same way that Gamera flies.
The Digimon JumboGamemon is an homage to Gamera.
In the Mecha-Streisand episode of South Park, Sidney Poitier transforms into a Gamera-like monster to battle Mecha-Streisand.
Gamera appeared in the videogames Gamera 2000, Gamera: Daikaijuu Kuuchuu Kessen and Gamera, Gyaos: Gekimetsu Sakusen. These games were released only in Japan.
Five Showa-era Gamera movies, including the original, were featured on Mystery Science Theater 3000.
In The Shining Force 2 for the SNES a member of the shining force is a small bipedal turtle creature named Tort. When Tort gets promoted to Monster class he greatly resembles Gamera and attacks with a fire breath weapon.

Link: Gamera - The Guardian Of The Universe - 4 of 4 - Full (English)

Superman Electrico - 4 de 4 - Completo (Español)

A través de su larga historia, el hombre de acero ha sufrido varios cambios, su origen ha sido replanteado infinidad de ocasiones, incluso ha muerto un par de veces (en historias sin continuidad con el universo DC) y oficialmente en el recordado 1992 cuando, ahora como es sabido en un intento de atraer nuevo lectores, los escritores decidieron aniquilarlo a manos de Doomsday (aunque solo fue temporal, irónicamente después debido a la reacción de todos los lectores, incluso de sus detractores). Algunos años después de este acontecimiento y luego de un sin fin de cambios, entre ellos la boda de Clark con Lois, Kal-El sufrió unos de los cambios más profundos y controversiales de su carrera: "una mutación". Ahora han pasado diez años desde la aparición del electro Superman, ahora se puede decir lo que fue de su corta historia y de en parte la no "tan" buena aceptacion por parte de los fans.
A lo largo de varias ediciones, y poco después de su boda con Lois, Clark comenzó a experimentar varios cambios que afectaban sus poderes, por ejemplo en una ocasión una bala en vez de rebotar en su pecho, lo atravesó hiriendo a un pobre testigo, pero fue en la edición # 545 de The Adventures of Superman cuando súbitamente el hombre de acero empezó a expeler grandes cantidades de energía, tanto que era incapaz de mantener su forma física. Y para asombro de muchos (y repudio de otros) Superman de transformó en un ser de energía pura.
Los escritores de ese entonces: Jurgens, Kesel, Micheline, Simonson, no solo despojaron a Superman de sus poderes, sino que además le otorgaron un nuevo traje. Todo esto ocurrió en la edición # 123 de Superman. La capa y la “S” roja eran cosa del pasado, ahora Clark usaba un traje azul y blanco, cuya tela fue donada por Lex Luthor a través de su esposa en ese entonces la Condesa de Portenza.

En The Adventures Of Superman #545 y Superman #123, el traje, diseñado por el Dr. Hamilton, contenía un circuito de tecnología Kryptoniana que permitía a Superman mantener su forma, o ese fue la justificación que se dio para el cambio de atuendo, al ser de energía las moléculas de Clark se esparcían en el aire, el traje fue lo único que evitó su completa desaparición.(al mejor estilo Capitan Atom, aunque en este otro es por su energía atómica. por mencionar un ejemplo)
Podría decirse que el diseño del fue una mezcla de los varios bocetos realizados por los artistas del momento; con este cambio se buscaba darle al héroe un nuevo aire y tal vez refrescar un poco la figura del hombre de acero. El “electro Supermanposeía otros poderes como :
Al mutar en un ser de energía pura los viejos poderes del antiguo hombre de acero dejaron de existir y fueron reemplazados por poderes "más acordes al nuevo milenio así lo promocionado DC", no hubo más visón de rayos X en su lugar Superman podía “ver” el espectro electromagnético de las cosas y de hecho podía manipular las ondas a su voluntad para mirar solo lo que deseaba.
La súper fuerza que por años caracterizó al héroe fue sustituida por campos bio-magnéticos y campos de energía sólida; Superman levantaba cosas “manipulando” los electrones del aire originando un campo de fuerza. Usaba el mismo principio para apagar incendios o transportar a varias personas de un lugar a otro.(poderes relacionados con colegas de Kal tales como los Green lantern)
Las balas no rebotaban en su pecho sino que atravesaban su cuerpo sin dañarlo así, es decir no más invulnerabilidad.(mas parecido a otros de origen místico)
Al principio de esta historia no volaba sino que viajaba a la velocidad del rayo, (bueno en este caso es mas que obvio que a cualquier se le puede venir a la mente Flash), luego podía volar o viajar a la velocidad de la luz, o a través de las líneas telefónicas, esto era según la necesidad en la historia de turno.
Entre las nuevas habilidades también se encontraban, absorción de energía: ejemplo la edición # 68 de The Man of Steel, en su lucha contra Metallo, Superman absorbe tanta energía nuclear que es incapaz de retenerla, por eso debe volar la espacio, donde explota quedando a todas luces muerto, pero con la ayuda de Boster Gold (Astro Dorado)retoma su forma.
Cambio de forma: se vio hacerlo en la edición # 733 de Action Comics, cuando por un instante tomó la forma de The Ray, aunque conservó los colores de su traje (azul y blanco). En ese número The Ray explicó que quizás Superman hacia esto manipulando los electrones del ambiente. En el número 734 Superman volvió a cambiar de forma pero esta vez tornó su traje al uniforme, incluso copió los colores, de los Peace Keppers de Kandor.
La Kryptonita, eterno símbolo de la debilidad de Superman, no representó peligro alguno para el, en ese entonces, Hombre de energía. Ahora su flaqueza recaía en la mortalidad, cada vez que Superman volvía a su vida como Clark quedaba vulnerable, es decir era mortal como cualquier humano. Sin embargo parecía aún ser blanco fácil de la magia, como se vio en el Annual # 9 de Superman, donde luchó contra un par de seres místicos y se vio afectado en ambas batallas.
En Adventures of Superman # 549 Superman se entera por el profesor Hamilton que la transformación que sufrió fue a nivel genético por lo que no había forma de revertir el proceso.

Pero a decir verdad, no se dio una explicación clara de la verdadera causa que originó la metamorfosis de Superman, siempre hubo especulaciones; por ejemplo, la más “aceptada” fue dada por el profesor Hamilton en Adventures of Superman #549, según la cual Superman fue transformado en una de sus visitas a Kandor,para entrar a la ciudad embotellada debió pasar a través de una barrera dimensional esto al parecer lo dejó susceptible a “una inusual onda de energía” . Hamilton no dio certeza de esto así que todo quedó en hipótesis.
Todo esto como es sabido, dio pie a lo que para muchos serian mas interesante el Superman Red y el Superman Blue, pero de eso hablaremos mas adelante.

Link: Superman Electrico - 4 de 4 - Completo (Español)

Mazinger Z - 1970 (Color) - Completo (Español)

Mazinger Z (マジンガーZ, majingā zetto) del dibujante japonés Go Nagai (que ya mencionamos antes). Bueno que se podria decir de unos de los mas grandes pilares del Manga/Anime, como en muchos otros casos, empezó siendo un manga para posteriormente trasladarse a la televisión. Es uno de los precursores del género Mecha (se pronuncia "meca") de robots gigantes y manipulados por seres humanos.
El manga se publicó en la revista semanal Shōnen Jump entre el #42 de 1972 y el #35 de 1973, antes de publicarse en tomos separados. En Japón (como ya se sabe fue todo un éxito.)
En Latinoamérica y Europa la serie gozó de gran popularidad,aunque tardo unos años en transmitirse de manera debida (al principio no se emitieron todos los episodios y los que fueron emitidos no llevaban el orden correlativo). A Estados Unidos llegó en el año 1985 con el nombre de Tranzor Z.
En su origen, mazinger (o majinga), como término japonés, significa "dios/demonio", lo cuál presume la afirmación de que una máquina creada puede usarse para el bien o para el mal en manos humanas y que expone de alguna forma que todo avance técnico no es bueno ni malo, sino que simplemente depende de quien lo maneje.

El Doctor Infierno ó Doctor Hell y el Doctor Kabuto, en medio de una expedición arqueológica, encuentran en la Isla de Rodas restos de una gran civilización, capaz de construir robots gigantes con antiguas tecnologías enterradas después del azote de un terremoto en el Mar Egeo. El Dr. Hell cree que con robots de ese tipo podrá gobernar al mundo, y movido por su ambición de poder trata de convencer al Dr. Kabuto para que se una a él y juntos dominar el Mundo. El Dr. Kabuto no esta de acuerdo y se convierte en enemigo mortal de su ex-colega. Entonces, el Dr. Hell mata a todos los miembros de la expedición con ayuda de los mismas máquinas-robot lanzando fuego vivo de sus bocas, máquinas halladas en la isla, quemando vivos a todos los presentes mediante un control secretamente implantado en las máquinas robot durante su reconstrucción en la expedición, máquinas que defendieron siglos atrás a la extinta civilización Mikene (o Micenas) de los invasores de dicha civilización, pero afortunadamente el Dr. Kabuto cerca de la muerte, logra escapar y encuentra en la falda del monte Fujiyama un nuevo material, Japanium, que se supone es un nuevo elemento metálico de alta resistencia que soporta temperaturas de hasta 6000° C de punto de fusión, creando con el la aleación Z; con la cual construye al robot Mazinger Z, que utilizará para detener los planes del Dr. Hell. El Baron Ashler (Barón Ashura en Japón), aliado del Dr. Hell, asesina al Dr. Kabuto, pero antes de morir consigue contar a su nieto Koji Kabuto los malvados planes de Hell, y le da a conocer a Mazinger Z.
Es en este momento cuando Juzo Kabuto le cede la responsabilidad de manejar al robot, pero el joven Koji jamás había manejado máquina parecida, ante lo cuál las últimas palabras del Dr. Kabuto le indican que: "Con Mazinger te puedes convertir en un dios o en un demonio...", ante lo cuál Koji medita un poco en cuanto al uso que le pudiera dar a la nueva máquina y estuvo tentado en utilizarlo para beneficio, idea que inmediatamente abandonaría por el dolor que en ese momento sintió al escuchar del Dr. Kabuto que había sido asesinado por el Dr. Hell, según las propias palabras del moribundo Dr. Kabuto.
En lo sucesivo, el doctor Infierno acechará constantemente con sus creaciones a la humanidad, pero ahí estará siempre Mazinger Z para enfrentarse a sus planes, cual caballero de la Edad Media.
A pesar de que el Dr. Hell fue un científico destacado, los conocimientos que poseía no se igualaban al de su colega japonés. De hecho, en la mitad de la serie se auxilió de un destacado Ingeniero en robótica de la misma nacionalidad que él, el alemán Dr. Hein Henrik, al cuál revivió como un cyborg. Tan notable fue este ingeniero alemán que, ante su soledad, el Dr. Hein Henrik creó una niña cyborg con sentimientos humanos a la que criaría como su propia hija, la misma que tendría un destino cruel en la serie.
Nuevos robots y nuevas armas salen de las fábricas ocultas y secretas del doctor Hell, lo que supone un reto de actualización continua en tecnología para el Dr. Yumi, asistente del Dr. Kabuto, que atiende y supervisa la ingeniería de Mazinger Z auxiliándose varias veces de Ingenieros en robótica de los Estados Unidos. El Dr. Yumi también construyó un robot de nombre Afrodita A, que era pilotado por su hija, Sayaka Yumi. Aunque no fue destinado en principio como arma de combate, posteriormente fue adaptado técnicamente como arma de defensa.
A la par de la secuencia de la serie, surge un amor ambiguo entre Koji Kabuto y Sayaka. Desgarrado continuamente por las fechorías del doctor Infierno y la ira de venganza que Koji Kabuto siente por dentro, así como las personalidades de ambos (Koji es orgulloso y machista, y Sayaka es celosa y de carácter fuerte), parece que ese amor nunca se concreta.
Entre otras particularidades e innovaciones en la propuesta de Go Nagai con su Mazinger Z, destacan que para la época personajes femeninos eran casi nulos en protagonismo en la mayoría del anime y caricaturas de aquel tiempo. Aquí en particular, hacia el año de su estreno, la mujer a nivel mundial apenas comenzaba a tener un papel distinto al de la mujer sumisa por el machismo. A pesar de que Koji era machista, Sayaka Yumi sobrasalía como símbolo de la "liberación femenina" de la época, dando en 1972 en esta serie casi por primera vez un papel protagonista a la mujer como género y demostrando que la mujer como tal tiene capacidades iguales a las del género masculino. Esto refleja un tanto la personalidad de Go Nagai caracterizada por enaltecer el género femenino y dar a personajes como Sayaka el papel de protagonista. Tan sólo basta el ejemplo de mencionar un robot que en el mismo año lanza llamado Cutey Honey ó Cutie Honey, un hermoso cyborg femenino, cosa muy rara en la época.
También está presente el humor entre otros simpáticos personajes, compañeros y amigos de Koji y Sayaka.
Tal cuál como una guerra real en la que la evolución de los artefactos robóticos va marcando el guión a lo largo de la serie, Mazinger Z refleja la secuencia del desarrollo técnico de ambos bandos con armas bélicas cada vez más innovadoras, como el planeador Pilder, que originalmente se llamó Hover Pilder y cuando fue destruido cambiaron a uno más moderno basado en los aviones militares de U.S. que hacen la función de helicóptero y avión a la vez. El nuevo Hover Pilder de turbinas y con mayor armamento al que llamaron Jet Pilder hizo su aparición cuando el Dr. Hell se apoyó en la tecnología de robot de los Mikenes. Estas máquinas se acoplan en la cabeza de Mazinger Z como control principal del robot. El "Jet Scrander" era un artefacto con alas que le permie volar, o incluso la capacidad de poder sumergirse en el agua, ya que al principio no podía hacerlo. Además aparecen otros robots como el de Sayaka, "Afrodita-A", que ayuda a Mazinger Z cuando éste se encuentra en apuros, o como el Robot de Boss, un destartalado robot que construyen los científicos del laboratorio para él y sus compañeros como respuesta cómica y emocional al heroísmo inexistente en sus vidas comparadas con la de su compañero Koji.

Versiones y cambios en la serie alredor del mundo:
Desde Japón y la mayoría de los países en el Lejano Oriente, Mazinger encontró audiencia en muchas partes del mundo, y ha sido traducido en muchos idiomas. En Europa, Mazinger fue televisado en España e Italia, en éste último país se creó un opening propio con músicos locales, con un éxito asombroso. Extrañamente, no fue mostrado en Francia hasta a finales de los '80, por ello, fue hecha una versión en el francés junto con el tema de entrada regrabado en francés y fue percibido como una imitación de Grendizer, aun cuando este era el original. La inconsistencia en la distribución de las series de Mazinger fuera de Japón condujo a una confusión similar en otros mercados de Occidente.
Mazinger Z también fue mostrado en países de Latinoamérica con un doblaje en español hecho en Estados Unidos por Cadicy International con actores de Cuba en el primer tercio de la serie y desordenado, posteriormente en Los Ángeles por Audiomaster 3000 el resto de la serie, és en ésta versión en la cual ocurren un sinfin de cambios de voces de los personajes. Además existe otra versión en español que se desconoce su origen el cual fue transmitido únicamente en España a través de Tele5, éste es caracterizado porque los personajes conservan la misma voz para cada rol conservándose también a lo largo de Gran Mazinger. El Show ha mantenido una gran admiración desde sus inicios.
Entonces, en 1985, el show salió al aire en los Estados Unidos con el título de Tranzor Z. Poco semejante a como había sido llevado el show de Manzinger, Tranzor Z fue excesivamente editado y acortado a 65 episodios, la producción estuvo dirigida por Bunker Jenkins, supervisada por Jim Hodson, y quien creó la música para Tranzor Z fue el compositor Doug Lackey, misma música que fue producida y almecenada por Three Bee Music para Warner Bros. en Los Ángeles, California, con el storyline cambiado además de cambiar los nombres de la mayoría de los personajes. La reescritura y la re-edición del show para la audiencia de los Estados Unidos fue hecha porque el contenido del show era supuestamente muy violento, y no estaba permitido en un show que está dirigido mayoritariamente a niños y adolescentes. El contenido en la serie original fue, de hecho, altamente explícito y gráfico en términos de violencia, muchas veces mostrando (junto con las obvias batallas de robots gigantes) violentas muertes de personajes de fondo, gente corriendo y gritando mientras ciudades japonesas como Tokyo y Yokohama son destruidas y aplastadas por maquinas bestia y espantosas escenas de accidentes (una escena muestra un avión comercial lleno de gente volando a través de una nube, para luego chocar contra una gigantesca fortaleza de aire "Gore" construida por los "chicos malos", matando a todos los pasajeros), escenas blasfémicas cuando Koji reniega la existencia de Dios al morir Elica un Cyborg, o Koji crucificado tres veces a la manera de un Cristo (también Mazinger y Gran Mazinger son crucificados en sus respectivas series), alusiones de índole sexual como el capítulo en que se semidesnudan Elica y Koji después de una fuerte tormenta en una montaña, también de "rebeldía" en cuanto a Sayaka, protagonista femenina, una mujer ruda en sus modales y atrevimientos que para la época causaban crispación debido a que iba en contra de la moral de la mujer sumisa, éste y otros contenidos fueron considerados violentos u obcenos para un show que debía ser considerado como "caricatura para niños". Sin embargo, muchos fans de anime argumentan que la edición de las series ocasionan un bajo raiting durante su restricción en los Estados Unidos.
Alternativamente, hubo otro doblaje del inglés del show que estaba más apegado a la versión japonesa original; con la excepción de tener los mismos nombres de todos los personajes, el título del show y aun una versión en inglés de la canción original japonesa. No se tiene claro cuantos episodios se les dio este doblaje, o quien fue el que los produjo (Aunque fue probablemente antes de la versión de Tranzor Z). Este doblaje más preciso fue producido en Hawaii, ese doblaje en inglés fue dejado la interpretación original en inglés del cantante japonés Isao Sasaki que fue quien la versionó en inglés (la otra versión del tema sería también versionada por el cantante que la cantó en japonés Ichiro Mizuki años más tarde en el CD llamado "The legends of Mazinger") hecho, el doblaje por la compañía M.&M. Communications Inc. subsidaria de MK Company en los estudios de Commercial recording de Honolulu, en Hawaii, aunque no sería el único doblaje en Estados Unidos que se hiciera, basta agregar que de los doblajes al español serian hechos por Cadicy International (hoy, First Line Productions) y de Audiomaster (una extinta empresa mexicana de Televisa). Los doblajes de Hawaii fueron después puestos al aire en las Filipinas, donde el doblaje fue continuado por una transmisora local anteriormente a la cancelación del show por orden de Ferdinand Marcos. (como veran un autentico caos, que contribuyo en sabotear a Mazinger)
En el doblaje Árabe, titulado "Mazinjer", fue hecho en un intento al efectivo en una manía de Super Robot creados en países de habla árabe por UFO Robot Grendizer. Aunque no lo hizo tan bien como Grendizer, sigue encontrando popularidad y ganando una gran cantidad de fanáticos en países de habla árabe, incluyendo Egipto. Sin embargo, solo los primeros 27 episodios fueron traducidos (Existe la posibilidad de que el doblaje árabe hayan sido de los 27 producidos en Hawaii).
Hoy está disponible en formato DVD, en Chile se editó un DVD el año 2006 por la empresa Las Últimas Noticias, el cual sólo constaba de un compendio de capítulos; sin embargo, la distribución oficial bajo licencia está a cargo de la productora SeriesTv.cl, el cual lanzó la serie completa Remasterizada entre Enero y Marzo del 2009 en 10 DVDs dobles a razón de 8 capítulos por semana junto al diario Las Últimas Noticias.



Siendo uno de los personajes de Anime con mas figuras en su honor, y siendo atesorado en el corazon de muchos fans, mas adelante continuaremos con el Robot gigante mas querido por todos, y que durante muchos años en el pasado no recibio el trato que le correspondia.
(aclaracion, esta version de Mazinger, es mas bien una adaptacion del anime, y no del manga, ademas esta en colores.)


Link: Mazinger Z - 1970 (Color) - Completo (Español)